Notas que nos aproximan al Guernica de Picasso

En el  video III de la serie Educarte, publicado en nuestro canal de YouTube Educarte hacemos referencia a la pintura “Guernica” de Pablo Picasso, como paradigma de una obra nacida en un contexto situacional específico. En el  material que les ofrecemos ahora, deseamos brindarles algunas informaciones adicionales que pueden ayudar a una mejor comprensión de esta icónica pintura.

Pablo Picasso: el hombre

Pablo Ruiz Picasso:  Málaga- España: 1881- Mougis- Francia: 1973

Pablo Picasso fue una figura excepcional como artista, innovador de diversas corrientes que revolucionaron el arte del siglo XX y, como hombre fue el protagonista de una vida intensamente pasional y comprometida con sus ideales.

Autor de una obra asombrosamente prolífica en número, en variedad y diversidad en la que aborda diversas disciplinas plásticas más ´allá de la pintura, como el dibujo, el grabado, la escultura, cerámica y escenografía a las que se dedicó a lo largo de más de setenta y cinco años de una existencia marcada por la intensidad del amor, la pasión, la amistad, la militancia política, todo ello condimentado con un jubiloso sentido del goce de vivir.

Desde la juventud y gracias a un talento desbordante, alcanzó la fama, conquistando la admiración y la celebridad en los círculos intelectuales más prominentes, aunque interiormente era un típico español, de formidable salud física y energía, dotado de extraordinaria capacidad de trabajo, cordial y generoso con sus amigos, asiduo frecuentador de las tertulias y los cabarets situados en los barrios bohemios de París, amante del sol de las playas mediterráneas, del vértigo deslumbrante de las corridas de toros, y de la belleza de las mujeres con las que compartió su existencia hasta sus últimos días.

Había nacido nascido el 25 de octubre de 1881, en el N.º 36 de la Plaza de la Merced de la ciudad de Málaga. 

Casa natal de Picasso, hoy Fundación Museo Picasso

Interior de la casa/mueso natal de Picasso.

Era el primogénito de un matrimonio burgués medianamente acomodado, integrado por el pintor vasco casi desconocido José Ruiz Blasco y la andaluza de origen italiano, María Picasso López. Su padre trabajaba como profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios San Telmo.

La familia Ruiz-Picasso en los primeros años de la década de 1880.

La primera infancia del artista transcurrió con algunas dificultades económicas debido a los bajos ingresos de su padre con quien mantenía estrecha relación afectiva. Sus padres sentían profunda admiración por el ya evidente y precoz talento del niño, estimulado en especial por el padre, mientras que en el aspecto académico escolar, Pablo era un alumno poco dedicado, algo perezoso y bastante distraído.

Picasso y su hermana Lola en el año 1889.

Buscando mejorar la situación económica, en el año 1891 la familia debió trasladarse a La Coruña; allí en el Instituto “da Guarda” era requerida la función docente de su padre como profesor. Habiendo ya iniciado sus primeros ensayos plásticos, el precoz aprendiz recibió como obsequio los pinceles y caballetes de su padre, quien con ese gesto, reconocía la admiración que sentía frente al talento del niño.

“El picador” primera pintura conservada de

Pablo Picasso realizada a los 9 años de edad.

Durante esos años, además de las clases impartidas por su padre, estudió con el pintor José Moreno Carbonero, bajo cuyas orientaciones produjo varias telas. Las siguientes imágenes corresponden a pinturas realizadas durante su precoz niñez:

“Pareja de ancianos” Óleo realizado cuando

Picasso contaba con apenas 10 años de edad.

De las obras pintadas en el período de residencia en La Coruña, les ofrecemos tres de las más emblemáticas:

“La Torre de Hércules” Óleo sobre lienzo pintado en el período de

residencia en La Coruña: año 1895. Picasso tenía 14 años.

Retrato de su hermana Lola (1894) Óleo sobre lienzo.

“Palomar” (1895) Óleo sobre madera.

En el año 1895, Ruiz Blasco obtiene un puesto docente en la “Escola d'Arts i Oficis de la Llotja” de Barcelona. Para su ingreso a la referida institución, al adolescente Picasso se le planteó una serie de ejercicios como examen de admisión, con el plazo de entrega de un mes, los que fueron resueltos en el mismo día, lo que le significó su admisión inmediata. Al año siguiente, con quince años, instala su primer taller en la calle de la Plata de la Ciudad Condal.

Picasso con 15 años de edad en la época de

la instalación de su taller en Barcelona.

Del período temprano de su primera adolescencia, destacamos algunos de sus retratos.

“Mujer sentada de espadas con sombrero” (1895/96)

“Retrato de su madre” Pastel (1896)

“Playa de Barcelona” Óleo sobre tela (1896)

“La muchacha de los pies descalzos” (1895)

“Retrato de mendigo anciano con barba” (1895)

“Retrato de su padre de perfil” (1895)

“Cabeza de viejo peregrino” (1895)

Varias de estas obras integraron su primera muestra realizada en la vidriera de una mueblería situada en la calle Real. La crítica que recibió de sus obras fue un importante aliciente para continuar trabajando.

Entre el período de residencia en La Coruña y el traslado a Barcelona, la familia decidió hacer una pequeña escala en la ciudad de Málaga. Allí su tío le ofreció un espacio para que utilizara como taller, en el cual pintó una serie de cuadros

De esa época es la siguiente pintura:

“Retrato de Tía Pepa” (1896)

Ya en Barcelona pintó más de 200 obras, de las cuales compartimos las siguientes imágenes:

“Desnudo de espaldas” (1896)

Autorretrato (1896)

Entre 1896 y 1897, a sugerencia de su padre pintó dos obras de significativa importancia. Nos referimos a “La primera comunión” en la que retrata a su hermana y a su padre, y “Ciencia y Caridad” para la cual D. José Ruiz posó para la figura del médico que sostiene la mano de la enferma.

“La primera comunión” (1896)

“Ciencia y Caridad” (1897)

La formación académica con sus estrictos cánones no se adecuaba a las expectativas del rebelde adolescente, por lo que su padre decidió enviarlo en 1897 a la Academia Real de Bellas Artes de Madrid, período en el cual se dedicó a copiar obras de los grandes maestros expuestas en el Museo del Prado.

Copia del retrato de Felipe IV pintado por Velázquez (1897)

Su formación académica le impedía desarrollar su propias ideas, por lo que a los 17 años decide interrumpir su formación para guiarse exclusivamente por sus propias ideas.

En 1898 realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de Barcelona y en el otoño del año 1900 hace su primera visita a París para ver la Exposición Universal , iniciando una serie de viajes de ida y regreso a la capital francesa, hasta que decide más tarde, fijar su residencia definitiva en París. En marzo del año siguiente viaja nuevamente a París, donde conoce a Max Jacob y comienza lo que luego se llamará su «período azul». En 1902 expone su primera muestra parisiense en la galería de Berthe Weill, y en 1904 decide trasladarse definitivamente a la capital francesa.

A los 20 años se ha instalado en el célebre Bateau-Lavoir, en el número 13 de la calle Ravignan, en un alojamiento compartido por artistas sin mayores medios económicos, como el español Juan Gris. Allí traba amistad también con Braque y Apollinaire, conociendo a Fernanda Olivier, la primera pareja de las varias que le acompañaron a lo largo de su turbulenta vida amorosa.

Durante los primeros tres años de su estadía en París, Picasso pinta y incansablemente, recibiendo la influencia de Paul Cézanne. Entre tanto, diseña las bases del cubismo analítico conjuntamente con su amigo Braque. En consecuencia, concibe una de sus obras experimentales más conocidas: , Las señoritas de Aviñón, de 1907.

Las señoritas de Avignón (1907)

(Nota: acerca de esta obra emblemática picassiana nos referiremos especialmente en una próxima entrega)

La obra, considerada deforme y provocadora promovió asombro y escándalo, pero a pesar del rechazo, Picasso va ganando nuevos adeptos, mientras su irreverente creador expone en Munich en 1909 y dos años más tarde en Nueva York. Junto a una nueva pareja- Mercele Humbert- y en compañía de Braque, crea una nueva versión del cubismo: el cubismo sintético, acercándose a la abstracción sin embargo, sin abandonar jamás la figuración.

Ya muy conocido, se muda de Montmartre a Montparnasse, inaugurando nuevas exposiciones en Londres y Barcelona.

Con el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, sobreviene la separación con Braque y Apollinaire quienes son movilizados, junto con el fallecimiento de Marcelle. En medio a esas pérdidas Picasso busca otros caminos para expresarse. En 1917, por medio de Jean Cocteau conoce al coreógrafo Serguéi Diáguilev, quien le encargará los decorados para el ballet Parade de Erik Satie.

Serge Dyagilev, creador de los Ballets Rusos (1910)

La representación de Parade provocó un enorme escándalo por la propuesta conceptual, la revolucionaria coreografía y la novedosa experiencia visual.

Telón del ballet Parade diseñado y ejecutado por Picasso.

Diseño de vestuario para el ballet Parade. Autor Pablo Picasso.

En ese período conoce a la bailarina Olga Clochlova con quien contraerá matrimonio en 1918. Hasta el año 1925 dedicará su actividad principal a los decorados de diversos ballets mediante los cuales continuará evolucionando su obra pictórica.

Un retrato de su madre, pintado en 1918, le permitirá acceder al millonario premio Carnegie en 1930, dotación que le posibilitará adquirir una villa campestre en Boisgelup, y pasar un año recorriendo España acompañado por su nuevo romance: Teresa Walter, con quien tendrá una hija: Maya.

Durante su estadía en España incursiona en la escultura. Su mujer indignada por las constantes infidelidades inicia un escandaloso juicio para conseguir el divorcio, que le es negado por el juez de la causa. La ira y el despecho de su esposa se ven reflejados en obras como “La mujer en el jardín”, “Busto de mujer y autorretrato” y en “Gran desnudo en sillón rojo” o “Bañista sentada a la orilla del mar”.

“Mujer en el Jardín” escultura en metal. Pablo Picasso

Pablo Picasso “Busto de mujer y autorretrato” (1935)

Pablo Picasso: “Gran desnudo en un sofá rojo”

“Bañista sentada a la orilla del mar” Pablo Picasso

Desilusionado por los escándalos provocados por su mejer, Picasso inicia una nueva relación con Dora Maar.

Desde el inicio de la Guerra Civil Española Picasso apoyará al bando republicano, aceptando en forma honoraria la dirección del Museo del Prado de Madrid. La barbarie del bombardeo del pueblo de Guernica en 1937 lo inspira para pintar en París la obra del mismo nombre que analizamos en nuestro video de YouTube.

En el año 1939 se organiza una gran exposición antológica de sus obras en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante todo el período de la Segunda Guerra Mundial, el artista se recluirá en su taller de Royan, sintiéndose deprimido a causa de la ocupación de Francia por los nazis y el triunfo de la dictadura franquista en su país.

En 1944, afiliado al Partido Comunista Francés expone 77 nuevas obras en el Salón de Otoño. Entusiasmado por la litografía, realiza gran cantidad de grabados utilizando esa técnica.

“El toro” Litografía de Pablo Picasso.

Ya divorciado, conoce a la joven y hermosa pintora Françoise Guillot, con la que convive hasta 1946 y con quien tendrá dos hijos: Claude y Paloma. Al mismo tiempo, inicia su etapa de Vallauris, en la que se dedicará a crear magníficas cerámicas.

Cerámica de Pablo Picasso

En 1954, conoce a la adolescente Sylvette David, quien acepta posar para él como modelo de algunas pinturas a cambio de uno de los retratos. Picasso crea algunas de las pinturas más conocidas del artista. , como el famoso perfil de Sylvette en la butaca verde.

“Retrato de Sylvette en la butaca verde” (1954)

Finalizada la atracción por Sylvette, Picasso inicia una relación amorosa con Jacqueline Roqué en 1957, un año antes de comenzar a pintar el gigantesco mural para la UNESCO.

“La caída de Ícaro” Panel de 100 metros cuadrados pintado por Picasso

´

Picasso continuará creando, trabajando y viviendo intensamente hasta los 91 años de edad, cuando se produjo su muerte en 1973, dejando como legado para la posteridad la mayor, innovadora y rica obra artística personal de nuestro tiempo.

Pablo Picasso: el creador

Breve reseña de los períodos creativos más importantes del artista.

1. Primeras pinturas.

Corresponde al período de formación ocurrido durante la infancia y adolescencia del artista. Se caracteriza por obras de marcado academicismo, o copias de pinturas expuestas en museos. Las de creación propia, como ya vimos más arriba, denotan un talento impar. De ese período se destacan dos obras: “La Primera Comunión” y “Ciencia y Caridad” a las cuales ya nos hemos referido.

2. Período “Cabaret”.

Esta etapa abarca los dos primeros viajes del artista a París, su visita a la Exposición Universal y la muestra de sus obras en la misma en el pabellón de España, y las exposiciones realizadas en la Galería Vollard y en la Sala Parés de Barcelona.

Se extiende a partir de los meses de septiembre/octubre del año 1900 hasta el invierno de 1901 cuando se produce el suicidio de su amigo, el pintor catalán Carles Casagenas.

El primer lienzo de este período parisino se titula “Le Moulin de la Galette” que anticipará las obras posteriores de ese año.

“Le Moulin de la Galette” (Noviembre de 1900)

Con clara influencia de Toulouse Lautrec, Renoir, Manet y Monet - entre otros artistas célebres en esa época- sus óleos retratan personajes noctámbulos, cortesanas de vida fácil, bailarinas de cabarets y escenas de cafés.

“Mujer con joyas” (1901) Óleo con técnica puntillista.

“Rostro de mujer” (1901)

“Mujer en el palco” (1901)

“La cena “ (1901)

“En el cabaret El Conejo ágil, Arlkequín con una copa” (1901)

“Pierrot” (1901)

“Vendedora de flores” (1901)

A ese mismo período corresponden decenas de dibujos, apuntes a carbón, tinta y pasteles, que retratan como instantáneas, escenas vividas por el artista, sus amigos y personajes desconocidos en la vía pública o interiores de cabarets y cafés.

“Picasso y sus amigos saliendo de visitar la Exposición Universal de Paris” (1901) Carboncillo y lápices de colores.

“Mujer con gato” (1901) Lápices de color y pasteles.

“El abrazo) (1901) Pastel sobre papel.

“La fortuna” (1901) Carboncillo sobre cartón.

“Mujer en la calle” (1901) Tinta y acuarela.

En 1900. Picasso había viajado a París en compañía de su amigo el pintor Casagenas quien conoció a la bailarina del Moulin Rouge Germanie Gargallo, la que convirtió en su modelo y de quien se había enamorado ardientemente.

“Germanie Gargallo” retratada por Picasso en 1900.

Ambos amigos regresaron a Málaga por un breve período pero la obsesión de Casagenas por la bailarina lo hizo regresar a París.

Al finalizar una cena ofrecida por Casagenas a la bailarina y a un grupo de amigos en el restaurante L´Hippodrome, le manifestó la pasión que lo dominaba. Al ser rechazado por la mujer, el artista esgrimió una pistola, disparando contra su modelo y de inmediato se descerrajó un balazo en la sien. Germanie permaneció desmayada acusando apenas un rasguño, en tanto Casagenas falleció de forma instantánea.

Estando en Madrid, Picasso recibió la noticia del suicidio de su amigo, hecho que lo conmocionó profundamente. A su regreso a París pintó una serie de retratos de Casagenas, en los que comenzó a usar gamas de azules que simbolizaban la frialdad de la muerte.

“Casagenas muerto” La vela encendida a nivel simbólico representa lo efímero de la vida y la forma de la llama que recuerda una vagina explica el motivo de la muerte del joven pintor.

“Casagenas en el ataúd” Los azules, verdes y grises fríos transmiten el 

dramatismo de las emociones de Picasso frente al suceso.

“Evocación: el entierro de Casagenas” (1901) Pintura en homenaje

póstumo a su amigo,  se inspira en el Entierro del Conde

de Orgaz del Greco. En su composición  intervienen

figuras de coristas que recuerdan a los personajes de Toulouse

Estas obras significan el final de una etapa y el inicio del denominado Período Azul.

3. Período “Azul”

“La habitación azul” (1901)

La muerte de Casagenas sumerge a Picasso en una fuerte depresión no exenta de reflexiones acerca de la fragilidad de la existencia y de la pobreza. El despojo de los volúmenes y los contornos muy definidos en las obras de este período recuerdan a la pintura de Van Gogh y Gauguin. Los personajes solitarios que remiten a un sentimiento de profunda tristeza aparecen aislados en un entorno impreciso, emoción que se acentúa en el alargamiento de las figuras que recuerdan también a los personajes del Greco.

“La vida” (1903)

“La vida” es un cuadro de interpretación compleja, en cuyo centro aparece nuevamente la imagen de Casagenas, abrazado por una mujer, frente a una madre con un pequeño en brazos, lo que nos hace suponer el contraste entre la vida y la muerte.

Las obras de estos tres años de producción nos trasmitirá su angustia sumada a sus dificultades económicas, de la mano de sus personajes: artistas callejeros miserables, madres con niños desnutridos, ciegos, mendigos y prostitutas

“La tragedia” (1903)

“Las dos hermanas” (1902)

“Desnudo azul” (1902

“La sopa” (1902)

“La comida del ciego” (1902/1903)

“Viejo ciego con niño” (1903)

4. Período “Rosa”

A partir del año 1904 Picasso se instala definitivamente en París, en el barrio Montmartre con su modelo Fernande Olivier con quien mantendrá una relación amorosa durante los próximos siete años.

La vida bohemia de Montmartre y la vecindad de artistas ambulantes y circenses sumergidos en la pobreza, orientan su inspiración por senderos nuevos.

Arlequines, juglares y bufones pasan a ser los personajes de sus telas, que parecen indiferentes y melancólicos, sin expresar ninguna emoción al observador.

La paleta se vuelve más cálida, con el predominio del rosa acompañado con otros colores cálidos como el naranja.

La calidez cromática lo induce a la exploración del desnudo femenino: pintará decenas de óleos con Fernande como modelo.

“Madre e hijo- saltimbanquis” (1905)

“Mujer con cuervo” (1905)

“Familia de acróbatas con un mono” (1905)

“Arlequín sentado” (1905)

“Arlequín sentado II” (1905)

La representación de los objetos, en especial de las figuras humanas tienden a geometrizarse, con especial énfasis en las líneas y el dibujo. Las primeras son suaves y delicadas, y las figuras aparecen con proporciones alargadas, hecho que vuelve a recordarnos las creadas por su admirado El Greco.

“Mujer en camisa” (1905)

“Muchacho con pipa” (1905)

“Muchacha con balón/ saltimbanquis con balón” (1905)

“Familia de saltimbanquis” (1905)

“Madre e hijo II“ (1905)

“Acróbata y joven arlequín“ (1905)

“El florista ciego” (1905)

La primera exposición de obras de este período se realizó cuando varias de ellas fueron exhibidas en la Gallerie Sérurier entre febrero y marzo del año 1905, con una favorable recepción por parte de la crítica.

A mediados de 1906, Picasso viajó a España instalándose en Gósol durante unos meses; allí continúa produciendo obras con la misma paleta cálida, pero siguiendo una línea más natural y localista, con desnudos femeninos que evocan cierto clasicismo.

“El aseo” (1906)

“Mujer desnuda sobre fondo rojo ” (1906)

“El peinado ” (1906)

En la pintura “Dos mujeres desnudas” del mismo año, ya se advierte la influencia del arte africano, especialmente en el rostro de una de los personajes, forma de arte que probablemente habría despertado el interés de Picasso después de visitar una exposición etnográfica.

“Dos mujeres desnudas” (1906)

El período se cierra con su “Autorretrato con paleta” en el cual también se evidencia la influencia de la escultura africada que será determinante en el próximo período del artista.

Autorretrato con paleta! (1906)

5. Período “Negro” o africano

A partir del año 1907 Picasso había comenzado a interesarse por el arte ibérico y el arte africano, especialmente las máscaras que determinarán la influencia en sus próximas creaciones. Los primeros trabajos producidos ese año son difíciles de catalogar porque suponen una transición entre uno y otro período.

La características más importantes son los rostros concebidos como máscaras, de factura primitivista y despojados de todo refinamiento y el abundante uso del color negro.

“Busto de mujer” (1907)

“Busto de mujer II” (1907)

“Busto de mujer joven de Aviñón” (1907)

“Busto desnudo” (1907)

“Mujer de Granja” (1908)

“Olla, vaso y libro” (1908)

La obra más conocida del período es el retrato de la escritora norteamericana Gertrude Stein quien residía en Paris y en cuya residencia se reunían los artistas e intelectuales más notorios del inicio del siglo XX europeo.

En el año 1906 la escritora comenzó a posar: Picasso pintó el cuerpo del retrato y lo abandonó saliendo de vacaciones. A su regreso agregó el rostro ya inspirado por el arte negro, por lo que se aprecia que existe una notable diferencia de tratamiento entre esas dos partes de la figura.

“Retrato de Gertrude Stein” (1907)

Este período también es denominado como “protocubisno” por ser el período de transición hacia una nueva etapa creativa. Se extiende entre los años 1906/7.

6. Período “Protocubista”

Es una época de cambio y evolución artística, en la cual las frecuentes visitas del artista al museo etnográfico de París, le harán conocer y admirar la cultura africana. También incidirá la influencia de Cézanne de quien Picasso era admirador, en especial la interpretación que el pintor francés hace de la forma y la composición geométrica.

La obra que marcaría esta nueva etapa será “Las señoritas de Aviñón” en la que Picasso estuvo trabajando durante varios meses, primero haciendo bocetos, después trabajando sobre el lienzo. Finalizado este enorme esfuerzo el artista enseñó su trabajo a algunos amigos y coleccionistas, que en un primer momento no supieron apreciar ni interpretar esta nueva visión que proponía, incluso artistas de la talla de Matisse llegaron a declarar que la obra era un ultraje.

“Las señoritas de Aviñón” (1907)

En la tela Picasso nos muestra a un joven que está entrando en la habitación de un burdel donde le esperan tres mujeres y otro hombre sentado. Los personajes femeninos se encuentran desnudos. Predominan las formas geométricas y angulosas. La escena carece de fondo, habiendo Picasso prescindido del espacio. Con esta obra rompe con el Realismo, con la profundidad espacial y con la manera tradicional de representar el cuerpo desnudo de la mujer. Esta obra pasará a ser la que inaugure el movimiento cubista.

7. Período “Cubista” y sus diversas faces

De la mano de Picasso y Braque-sus creadores- el cubismo significó la revolución artística más trascendete del S. XX. Como características principales se puede mencionar que desaparece la perspectiva tradicional. El tratamiento de las formas se expresa por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies, adoptándose la llamada «perspectiva múltiple» por medio de la cual se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo no tiene ahora ningún compromiso con la apariencia de las cosas, sino con lo que se sabe de ellas. Aparecerán a la vez en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, un rostro se representará de frente y de perfil, debido a que ya no existe un punto de vista único.

“Retrato de Dora Maar” (1937)

Tampoco hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y se eliminan también los colores sugerentes. En lugar de ello, se utilizan tonos pictóricos apagados: grises, verdes y marrones, aunque en las últimas etapas se abrió la paleta a colores más vibrantes

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir, es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega más adelante a pegar o clavar a la tela diversidad de objetos para componer collages.

A lo largo de los 17 años de vigencia del movimiento cubista ((1907/1924) fue evolucionado en diversas direcciones.

7.1 El cubismo “hermético o analítico” (1909-1912)

Es la primera fase del cubismo. Las obras son casi monocromas: gris y ocre porque los colores no interesaban ya que la prioridad eran los diferentes puntos de vista y la geometrización. Se elaboró un «nuevo lenguaje» que analizaba la realidad, descomponiéndola en múltiples elementos geométricos. Los puntos de vista se multiplicaron, abandonando definitivamente la unidad del punto de vista de la perspectiva renacentista. Se introdujeron en la obra los «pasos», definidos como ligeras interrupciones en las líneas de los contornos, fragmentándose también los volúmenes mayores en más pequeños. Entre las obras de esta fase del cubismo se encuentra el Retrato de Kahnweiler (1910, Instituto de Arte de Chicago).

Picasso: “Retrato Ambroise Vollard” (1910)

Picasso: “Mujer con guitarra” Retrato de Eva Gaar (1911/12)

A este período se le llama también cubismo hermético, debido a la cantidad de puntos de vista representados en la obra. Algunas parecen casi abstractas. El hermetismo se debe también a que los planos se independizan en relación al volumen, de tal manera que es difícil decodificar la figuración, y reconstruir mentalmente al objeto. El color, al ser monocromo y convencional tampoco ayuda: no aparece relacionado con el color del objeto. De este modo, la imagen representada parece ilegible, casi imposible de ver, a no ser por la presencia de algunos objetos como una pipa, o letras de periódico, que permiten distinguir lo que se está representando.

7.2 El cubismo “sintético” (1912-1914)

En “El Portugués”- pintura de Braque realizada en 1911) aparecen palabras y números, hecho que abre un nuevo camino que conducirá al segundo período del cubismo, el cubismo sintético.

(Poner el portugués: Epígrafe: Braque: “El portugués” (1911)

Braque, fue el primero en incluir caligrafía en sus telas, muchas veces también intentó imitar la madera o el mármol, iniciando esta segunda fase del cubismo, componiendo collages, pintando directamente sobre papeles decorados.

Picasso: “Collage” (1912)

Picasso: “Cabeza” Papel de colores, guache

y carboncillo sobre cartón (1913)

En 1912 Picasso realizó su primer collage, “Naturaleza muerta con silla de paja” (Museo Picasso, París), en el que añade al lienzo pasta de papel y hule.

Picasso: “Naturaleza muerta con silla de rejilla” (1912)

El color es ahora más rico que en la fase anterior, como puede verse en los rojos y azules de Botella de Suze (1913, Saint Louis, Misuri, Universidad Washington).

Picasso: “Vasos y una botella de Suze” (1913)

El carácter más sintético de estas obras promueve que sean más fáciles de entender: son más figurativas, permitiendo que se vea claramente lo que se pretende representar. Los objetos ya no se reducen a volúmenes y planos expuestos en diversas perspectivas, sino que se reducen a sus atributos esenciales, a aquello que los caracteriza de manera inequívoca sin lo cual no serían lo que son.

Para representar a los objetos «tipo» de manera objetiva y permanente, y no a través de la subjetividad del pincel, se recurre a lo que parece un ensamblaje. Los cuadros están formados por diversos materiales cotidianos que se pegan o clavan a la tela, como tiras de papel de tapicerías, periódico, partituras, naipes, cajetillas de cigarros o cajas de fósforos. El cuadro se construye con elementos diversos, tanto tradicionales (la pintura al óleo) como nuevos (como el papel de periódico). Los cafés y la música inspiraron estos bodegones. Otras obras de Picasso paradigmáticas de esta fase son “El jugador de cartas” (1913-14) o “Naturaleza muerta verde” (1914).

“El jugador de cartas” (1913)

“Naturaleza muerta verde” (1914)

A este período del cubismo, algunos críticos suelen denominar “cubismo poético” en el que se combinan el color del cubismo analítico y los patrones esquemáticos del sintético.

Esas características se observan en la obra “Mujer en camisa sentada en un sillón” del año 1913.

“Mujer en camisa sentada en un sillón” (1913)

7.3 El cubismo “surrealista” (1914)

A inicios del año 1914 Picasso ilustra la obra de Max Jacobs “El sitio de Jerusalén” utilizando una forma de cubismo denominada “surrealista”, que retomará a partir del año 1925.

En esta etapa realiza también esculturas, de las cuales “El vaso de absenta” será reproducida en bronce coloreado en diversas tonalidades.

“El vaso de absenta” (1914)

7.3 El cubismo “frío o puntillista” (1914)

En el otoño del año 1914, Picasso reside en Aviñón, donde pinta “Naipes, vasos y botella de ron” (Vive la France) que se halla en la Colección Leigh B. Bloch de Chicago, obra que inicia el periodo del cubismo puntillista.

“Naipes, vasos y botella de ron –Vive la France” (1914)

Trabajó también en series de dibujos y pinturas de hombres apoyados en una balaustrada, una mesa o una silla, en estilos que van del naturalismo al cubismo.

“Botella de bass, clarinete, guitarra, violín y as de trébol” (1914)

“Retrato de una muchacha” (1914)

El lienzo inacabado “El artista y su modelo” (Museo Picasso, París) cuya modelo sería presumiblemente Eva, muestra una tendencia de retorno a la figuración representacional que resurgirá posteriormente.

“El artista y su modelo” (1914)

Ese invierno pintó el óleo “Naturaleza muerta: guitarra, periódico, vaso y as de trébol” (Museo Picasso, París), obra que introdujo el periodo llamado cubismo frío, donde la composición se trabajaba en colores fríos, con predominancia del azul.

8. El período duquesa (1918)

El año 1918 inicia el período que Max Jacob denominó como período duquesa, el que se extendió hasta 1923. Durante el mismo, finalizó un “Retrato de Olga en un sillón” (Museo Picasso, París)​ en el estilo neoclásico debido a que su mujer insistía en que en sus retratos fuera reconocible.

“Retrato de Olga en un sillón ” (1918)

El 12 de julio se casó con Olga y el 30 de ese mes llegaron a Biarritz en luna de miel,. Allí desarrolló temas marinos, como “Las bañistas” (Museo Picasso, París) en un estilo manierista con reminiscencias de sus figuras alargadas inspiradas en el estilo del Greco.

“Las bañistas” (1918)

Durante 1919 continuó trabajando a la vez en obras cubistas y realistas. En estas últimas, se aprecia cierta monumentalidad y peso escultórico, como en “Naturaleza muerta con jarra y manzanas” expuesta en el Museo Picasso de París ​ y “La siesta” del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Recuerda el estilo robusto y clásico del último Ingres, obras de un carácter escultural y apariencia masiva que se manifestaría en sus obras neoclásicas del año 1920.

“Naturaleza muerta con jarra y manzanas” (1920)

“La siesta” (1920)

9. El período surrealista (1925-1938)

En 1925, en ocasión del cuarto cumpleaños de su hijo, Picasso pintó el retrato de “Pablo vestido de pierrot : El hijo del artista” que se halla en el Museo Picasso de París, concebido ​ en un estilo naturalista similar al retrato de arlequín que había pintado el año anterior.

“Pablo de pierrot El hijo del artista” (1925)

También pintó “La danza” expuesta en el Tate Modern Museum de Londres.

“La danza” (1925)

Se trata de un momento crucial en el desarrollo de Picasso, tras un periodo en el que trabajó tanto una forma decorativa del cubismo sintético como un estilo figurativo neoclasicista. La danza está en deuda con ambos estilos, pero su importancia radica en que marca una ruptura con una fase serena y clásica y el inicio de un nuevo periodo de violencia emocional y distorsión expresionista.

La danza constituyó el inicio del periodo surrealista de Picasso, entre 1925 y 1938. El carácter fuertemente expresionista del cuadro simbolizaba su creciente irritación hacia Olga y las mujeres en general; creía que Germaine, había sido la causa de la muerte de Casagemas, destruyendo a su amigo como Olga le estaba destruyendo a él.

Durante ese verano pintó “El beso” expuesto en el Museo Picasso de París.

“El beso” (1925)

El beso expresa un espíritu más agresivo aún que “La danza”: el motivo de las cabezas superpuestas, que aparece en la figura de la mujer, encontraría continuidad en sus obras posteriores.

10. El cubismo curvilíneo (1926)

En 1926 inicia un estilo que se ha identificado como cubismo curvilíneo, en el que combina superficies sinuosas provenientes del cubismo decorativo con la superposición de cabezas y las deformaciones curvas exploradas en los dibujos de constelaciones, aplicadas a una red cubista.

Son ejemplos de esta modalidad de cubismo las obras “Las modistas” (El taller de la modista) perteneciente al Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou de París y “El pintor y su modelo” expuesto en el Museo Picasso de París.

“El taller de las modistas” (1926)

Son obras monocromas pintadas en gris, negro, blanco y ocre canela. Durante este período creará las figuras de las bañistas biomórficas de formas esculturales elefantinas, con atributos sexuales que alcanzan proporciones monumentales, como puede verse en “Bañista en la cabina” (Figura femenina).

“Bañista sentada” (1930)

“Figuras a orillas del mar” (1931)

“Bañista con pelota” (1932)

En este período nacen las primeras versiones del Minotauro, en collages y grabados y las esculturas en hierro.

La Guerra Civil española está en ciernes, y es entonces el momento de abordar el Guernica que analizamos en el video ya publicado en YouTube.

El Guernica: contexto, ejecución de la obra y otras informaciones de interés

En nuestro video publicado en YouTube (Poner el enlace) analizamos el significado de las figuras que componen el cuadro. Aquí agregaremos algunas informaciones complementarias que consideramos de interés.

El contexto histórico

El 13 de abril de 1931 se había proclamado en España la Segunda República, Picasso vivía en Francia de forma permanente desde hacía varios años. En principio, la República no había evidenciado mayor interés por la obra del pintor, quien, por su parte, tampoco evidenció ningún acercamiento al nuevo régimen.

Declaración de la II República Española

El director general de Bellas Artes, Ricardo Orueta, en 1933 quiso montar una exposición de obras de Picasso en Madrid, pero el escritor y embajador de España en París, Salvador de Madariaga, le hizo desistir del proyecto al informarle de que la actitud del pintor no eran las más propicias. En España muy pocos defendían la importancia de la obra de Picasso, entre ellos Manuel Abril, Premio Nacional de Literatura en 1934. En enero de 1936 se llevó a cabo una exposición retrospectiva de Picasso en la sala Esteva de Barcelona, organizada por la asociación ADLAN (Amigos de las Artes Nuevas), la que fue recibida con hostilidad por la prensa. La exposición viajará más tarde a Madrid y Bilbao.

Guerra civil española

Tras el inicio de la guerra civil española en julio de 1936, el pintor Josep Renau- por entonces director general de Bellas Artes decidió nombrar a Picasso como Director Honorario del Museo Nacional del Prado, nombramiento que se hizo efectivo en septiembre de 1936, aunque jamás llegaría a tomar posesión del mismo.

En enero de 1937, en su domicilio de París, Picasso recibió la visita de una delegación española integrada por el director general de Bellas Artes Josep Renau, el arquitecto Luis Lacasa, y los escritores Juan Larrea, Max Aub y José Bergamín, con el​ propósito de solicitar a Picasso su colaboración para el pabellón español de la proyectada Exposición Internacional de París.

En un primer momento, el pintor se mostró un renuente en crear una obra de gran formato para cubrir una pared del pabellón,​ sin embargo, el 8 de enero fechó la primera lámina de su serie de aguafuertes “Sueño y mentira de Franco”, de la que se imprimió una edición limitada de 1000 ejemplares destinados a ser vendidos en la exposición: los beneficios obtenidos de la comercialización de las obras se destinarían íntegramente a la causa republicana.

Uno de los grabados de la serie “Sueño y mentira de Franco” (1937)

Se afirma que Picasso creó los grabados por propia iniciativa, al margen del encargo del gobierno español. La última plancha fue iniciada al día siguiente, pero no pudo concluirla hasta el 7 de junio, después de la creación del Guernica.

En concreto el encargo del Gobierno español, era una gran pintura mural que cubriera un espacio de 11x4 metros, ejecución que fue demorada por el pintor durante varios meses. En aquellos años, Picasso vivía una complicada situación personal: se encontraba dividido entre tres mujeres: su esposa, Olga; su antigua amante, Marie-Thérèse, madre de su hija Maya, y su amante más reciente, Dora Maar.

Picasso en el taller de la Rue de Augustins

pintando el Guernica” (1937)

La obra no cabía en su taller, para la realización del enorme cuadro, la fotógrafa Dora Maar- su pareja sentimental- consiguió un taller en el n.º 7 de la rue des Grandes Augustins que Picasso alquiló, empleando su amplio ático como estudio. En ese edificio había situado Balzac el estudio del pintor protagonista de su novela “La obra maestra desconocida”, que Picasso había ilustrado en 1927.

Aunque la obra fue un regalo del artista a la República Española, se sabe que tras un primer pago de 50 000 francos, Picasso recibió un segundo pago de 150 000 francos en concepto de gastos.​ Según una nota dirigida al embajador español Luis Araquistán, el artista se negaba a aceptar cifra alguna, y el pago que finalmente se le dio tuvo un carácter simbólico, destinado a cubrir los gastos de Picasso. El recibo de dicho pago fue el que décadas más tarde permitiría al Gobierno español reclamar la propiedad del cuadro.

La ejecución de la obra

Hasta el 18 y 19 de abril de ese año, los bocetos que se conservan, revelan que Picasso no había encontrado todavía la inspiración para su obra, pese a la inminente fecha de inauguración. Dichos bocetos prefiguran el Guernica únicamente en cuanto a la forma rectangular de la composición, aunque se ha señalado que en la pintura “El pintor y la modelo” de esa época el brazo del pintor guarda cierta semejanza con el de la mujer que alarga el brazo con el quinqué en el Guernica.

Sin embargo, no aparece en los esbozos ninguno de los elementos iconográficos del cuadro. En alguno de ellos hay alguna clara alusión política como la hoz y el martillo, que no estarán presentes en el Guernica.

Esbozos preliminares realizados a lápiz para el Guernica.

Esos esbozos fueron iniciados el 1 de mayo. El proceso de creación ha quedado documentado, además de los esbozos, por las fotografías que tomó Dora Maar.

​ En el primer boceto del cuadro aparecen ya los personajes principales del Guernica: el toro, la mujer con la luz, el guerrero derribado en el suelo y el caballo. En el segundo esbozo, también del 1 de mayo, encima del toro aparece un caballito alado que no estará presente en el cuadro finalizado. La figura de la madre con el niño muerto en brazos aparece por primera vez en un dibujo fechado el día 8 de mayo.

(Poner proceso. Epígrafe. Proceso de realización del Guernica

El 11 de mayo Picasso comenzó a trabajar directamente sobre el lienzo que debido a su tamaño ​ apenas cabía en el estudio, motivo por el cual ​ y debido a que iba a ser pegada a una pared, utilizó pintura vinílica Ripolín mate, de uso industrial.

Gracias a las fotografías tomadas durante la ejecución, los críticos consideran que la obra se elaboró en seis fases. Valeriano Bozal ha dicho que durante las tres primeras fases predomina un sentido narrativo de la composición, el que se ve reforzado por la forma rectangular de la tela y por su horizontalidad. Muy pocos ​son los elementos que destaquen verticalmente, y que puedan obstruir el sentido horizontal de la lectura.

Como se puede observar en los bocetos iniciales, la figura del toro se extendía de derecha a izquierda.

En la cuarta fase, según Bozal, se introdujeron dos elementos novedosos: por una parte, el cuerpo del toro, que antes estaba a la derecha de su cabeza, se situó a su izquierda, con lo cual quedaba violentamente torcido; por otra, se destacó en el centro la figura del caballo.

En las siguientes fases, el trabajo de Picasso se centró en las figuras del guerrero caído y de la mujer de la derecha. En algunos momentos de la elaboración de la obra, el artista intentó introducir elementos de collage, en concreto en la mujer de la derecha, pero finalmente desechó la idea. En la última fase, Picasso rellenó el caballo con pequeños trazos y la falda de la madre con rayas verticales, dibujó una cuadrícula en el suelo y terminó de pintar la zona de la lámpara. La obra fue considerada concluida el 4 de junio de 1937.